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Le Coin Du Cinephile : Special Maya Deren
Par Romain Le Vern - publié le 17 juillet 2007 à 00h00 ,
MAJ le 24 septembre 2009 à 19h11 - 2 commentaire(s)
MAJ le 24 septembre 2009 à 19h11 - 2 commentaire(s)
Ceux qui adorent Stan Brakhage, Kenneth Anger, Jonas Mekas, Brent Sims, Ed Emshwiller ou Norman McLaren devraient potentiellement se régaler tant ici plus qu’ailleurs le cinéma expérimental explose sous toutes ses formes et ses beautés. Fascinée par «l’appétit de merveilleux», Maya Deren était dans les années 50 la chef de file du cinéma expérimental en revendiquant l’influence de Jean Cocteau, poète français dont la phrase célèbre reste parfaite pour résumer le travail conséquent de l’artiste: «Quand l’événement vous dépasse, feignez d’en être l’organisateur». Réalisé dans les années 40 en collaboration avec son mari Alexander Hammid (également acteur et monteur), Meshes of the Afternoon demeure l’un de ses chefs-d’œuvre et marque les balbutiements d’un avant-gardisme américain où le danse et le cinéma sont assimilés au même niveau, traités avec la même grâce, s’inspirant et se nourrissant mutuellement. Bien avant David Lynch ou Dario Argento, une cinéaste méconnue - mais muse inspiratrice secrète pour beaucoup - mettait courageusement en scène des rêves éveillés. Et révolutionnait. Sans crier gare.
"Maya Duren a toujours accompli des prouesses pour mêler le texte et l’image, le sens et la sensation, l’abstraction et l’émotion."
Il y a une telle liberté, une telle énergie et une telle ingéniosité dans le cinéma de Maya Deren, surnommée «la femme à la caméra» pour démentir l’expression trop répandue «d’homme à la caméra», que certains auraient de la graine à en prendre. Ne serait-ce que dans sa manipulation affûtée et nouvelle de l’espace-temps cinématographique. Avec des moyens astucieux, l’artiste fâchée avec les codes Hollywoodiens n’a cessé de construire une carrière loin des sirènes et de relever des défis du genre stimulants en signant pléthore de films expérimentaux très intrigants. De manière générale, elle accomplit des prouesses pour mêler le texte et l’image, le sens et la sensation, l’abstraction et l’émotion. Maya se veut à la fois cérébrale et physique en abordant une foule de thèmes qui a priori ne se colmatent pas entre eux (la psyché, la sexualité, la violence, les rituels et la transe). Ses films prosaïques et linéaires, elliptiques et abstraits, répondent à ces paradoxes. Ils témoignent une influence revendiquée du surréalisme de bon aloi et de la psychanalyse héritée de papa. Les centres d'intérêt de Deren sont la danse et la poésie. Domaines dans lesquels elle excellait alors qu’elle n’était qu’une licenciée en arts débutant dans le journalisme. Selon ses termes, elle voulait développer une forme d’art filmique trouvant son origine dans les potentialités de la caméra elle-même, libérée de l’influence des autres langages artistiques tels que la littérature, le théâtre et les arts plastiques.
Ses ennemis? Le surréalisme de bazar et la frontalité du documentaire. Ses films sont des rêveries, des elixirs oniriques qui parlent aux sens. L’un de ses opus les plus intéressants demeure Meshes of the afternoon, sorte de thriller métaphysique et paranoïaque nourri d’ombres et de lumières, tellement déroutant et envoûtant que chacun est libre de tirer les interprétations qu’il veut. On peut y voir Maya Deren dans le rôle d’une femme paumée dans un méandre rhapsodique. Avec son mari, elle forme un couple d'amants confrontés à la mort de leurs désirs. Dans l'expression illustrative, les références à Cocteau frappent à la porte. Comme lui, Deren se met en scène dans des fictions. La mort est représentée sous la forme d’un personnage habillée de noir dont la capuche abrite un visage en miroir. Progressivement, Deren part d’éléments ancrés dans une réalité (une fleur, une clé, un téléphone) et au fil de son cheminement narratif les dispose dans une réalité "autre" en appliquant le concept pré-Deleuzien de la répétition et de la différence.
A travers ces éléments matériels, Maya Deren explore le passage de la vie à la mort, du rêve au cauchemar, du passé au présent. Sa faculté à brouiller les repères chronologiques ont certainement inspiré David Lynch, notamment pour Mulholland Drive où des éléments épars évoquent étrangement Meshes of the Afternoon (la clé, la mort évoque la clocharde dans MD) jusque dans sa construction alambiquée. Les thèmes du dédoublement et du cercle infernal où tout semble voué à recommencer dès le début renvoient à Lost Highway. Certains ont vu une métaphore sur le féminisme avec un personnage principal féminin, fleur fanée en pleine renaissance, qui cherche à s’affranchir d’une dépendance quitte à côtoyer les ténèbres. Pourquoi pas, mais il faut surtout y voir une illustration unique de l’inconscient, au moins aussi forte que celle proposée par Buñuel et Dali dans l'immense Chien Andalou en 1928. Comme dans bon nombre de ses films suivants, Meshes of the afternoon s’attache aux éléments minéraux (vent, bois, pierre, mer) afin d’accentuer une dimension organique et sensuelle. Comme si la nature semblait évoluer - pour ne pas dire danser - en même temps que le personnage. La bande-son incantatoire de Teiji Ito, complice de Deren sur la fin de sa carrière, n’a été ajoutée qu’en 1959 – à l’origine, le film est muet. Inconsciemment, Maya passe presque pour celle qui a préfiguré le clip en offrant une parfaite adéquation entre le montage de l’image et du son. Bien avant Tony Scott et ses Prédateurs.
Après ce premier essai plus que prometteur où elle fait par ailleurs montre d’une maîtrise exemplaire des diverses composantes du récit dit expérimental, la cinéaste a essayé de donner une importance sacrée à ses passions avec un style pointilleux et dialectique où le visuel serait en cohérence avec le fond. La danse et la légèreté du corps aérien vont continuer à faire écho aux mouvements amples et fluides d'une caméra. Généralement, en ce qui la concerne, on définit ces mouvements de caméra sveltes comme des «chorégraphies». L’exemple le plus probant de cette démarche reste le bien nommé A study in choreography for camera où elle filme un danseur qui évolue au gré des décors en conservant d'un bout à l'autre une mine transcendée ou encore The very eye of night, une fantasmagorie astrologique où des danseurs de lumière sont incrustés en négatif sur un ciel étoilé. En corollaire, elle défend le mouvement expérimental en créant la Creative Film Foundation et la Film-makers association. De même, elle écrit quelques romans un chouia didactiques, loin de la légèreté de son style visuel, notamment l’imposant L'art, la forme et le film. Ce qui confirme l'aversion de Deren pour la littérature. Toquée d’anthropologie, elle écrit suite à un voyage en Haïti un livre sur les rituels vaudous (Divine Horsemen). Elle en a tiré un long métrage d’environ cinq heures qu’elle n’a jamais pu achever (elle est morte un an après son excursion dans des conditions mystérieuses). Bien que décédée il y a maintenant près de cinquante ans, son influence demeure intacte. Elle est toujours célébrée dans les cinémathèques françaises et des artistes contemporains comme John Zorn lui rendent hommage à travers leurs compositions (dans le cas de Zorn, il a crée une bande son qui relate sa carrière baptisée Filmworks X - in the mirror of Maya Deren).
Le coin du cinéphile : la petite boutique des horreurs de Romain Le Vern
Donnie Darko (Richard Kelly) Schizophrenia (Gerald Kargl) Ne vous retournez pas (Nicolas Roeg) & Le cercle infernal (Richard Loncraine) L'échelle de Jacob (Adrian Lyne) Epidemic (Lars Von Trier) Cruising (William Friedkin) Croix de fer (Sam Peckinpah) La clepsydre (Wojciech Has) Moi Zombie, chronique d'une douleur (Andrew Parkinson) Dellamorte Dellamore (Michele Soavi) Braindead (Peter Jackson) Carnival of Souls (Herk Harvey) Ebola Syndrom (Herman Yau Lai-to) A snake of June & Vital (Shinya Tsukamoto) Tras el Crystal (Agustin Villaronga) Cannibal Holocaust (Ruggero Deodato) La double vie de Véronique (Kieslowski) The Baby (Ted Post) Poison (Todd Haynes) L'île (Kim Ki-Duk) Subconscious Cruelty (Karim Hussain) Le baiser de la femme-araignée (Hector Babenco) Zombie (George Romero) Le quatrième homme (Paul Verhoeven) Les jours et les nuits de China Blue (Ken Russell) Defiance of Good (Armand Weston) Maîtresse (Barbet Schroeder) Les chevaux de feu (Serguei Paradjanov) La grande bouffe (Marco Ferreri) Contes immoraux & La bête (Walerian Borowczyk) Dans ma peau (Marina de Van) Bad Boy Bubby (Rolf de Heer) Requiem pour un massacre - Come and see (Elem Klimov) I Want You (Michael Winterbottom) Miracle Mile (Steve de Jarnatt) Kissed (Lynne Stopkewich) Un chant d'amour (Jean Genet) The Baby of Mâcon (Peter Greenaway) Santa Sangre (Alejandro Jodorowsky) Possession (Andrzej Zulawski) Les Révoltés de l'an 2000 (Chicho Ibanez-Serrador) Mulholland Drive (David Lynch) Pig (Rozz Williams & Nico B.) Hustler White (Bruce La Bruce) Hardcore (Paul Schrader) Gummo (Harmony Korine) Seconds (John Frankenheimer) Mais ne nous délivrez pas du mal (Joel Séria) Les prédateurs (Tony Scott) Les nains aussi ont commencé petits (Werner Herzog) Maladolescenza (Pier Giuseppe Murgia) La clé (Tinto Brass) Le sexe noir / Café Flesh (Joe d'amato & Stephen Sayadian) Les fruits de la passion (Shuji Terayama) Frankenhooker & Brain Damage (Frank Henenlotter) Crash (David Cronenberg) Léolo (Jean-Claude Lauzon) J'irai comme un cheval fou (Fernando Arrabal) L'Autre (Robert Mulligan) & Chaque soir à neuf heures (Jack Clayton) Kamikaze Taxi (Masato Harada) Hardware (Richard Stanley) L´esprit de la ruche (Victor Erice) Dancing (Patrick Mario Bernard, Xavier Brillat et Pierre Trvidic) L'Inferno (Francesco Bertolini, Adolfo Padovan et Giuseppe De Liguoro) Superstar: The Karen Carpenter story (Todd Haynes) Electra Glide in Blue (James William Guercio) Le Locataire (Roman Polanski) Paprika (Tinto Brass) Candyman (Bernard Rose) Sweet Movie (Dusan Makavejev) Schramm (Jorg Buttgereit) L'aventure de Madame Muir (Joseph L. Mankiewicz) Paperhouse (Bernard Rose) Hallucinations of a deranged mind (José Mojica Marins) Faust (Jan Svankmajer) Abattoir 5 (George Roy Hill) Amateur (Hal Hartley) Venus in Furs (Victor Nieuwenhuijs et Maart Je Seyferth) Tenderness of Wolves (Ulli Lommel) Eating Raoul (Paul Bartel) L'enfant-miroir (Philip Ridley) L'écureuil rouge (Julio Medem) Begotten (Elias Merhige) Des anges et des insectes L'homme à la caméra (Dziga Vertov) Scorpio Rising (Kenneth Anger) Dans les ténèbres (Pédro Almodovar) The Doom Generation & Nowhere (Gregg Araki) Gods and Monsters (Bill Condon) Cérémonie secrète (Joseph Losey) La traque (Serge Leroy) Fantasmes (Jang Sun-woo) Singapore Sling (Nikos Nikolaidis) La créature (Eloy de la Iglesia) Jambon Jambon (Bigas Luna) Clean, Shaven (Lodge Kerrigan) Six string Samurai (Lance Mungia) Des Monstres et des hommes (Andreï Balabanov) Orlando (Sally Potter) Vase de noces (Thierry Zeno) Forbidden Zone (Richard Elfman) Animal Love (Ulrich Seidl) Please don't eat my mother Meshes of the Afternoon (Maya Duren)
"Maya Duren a toujours accompli des prouesses pour mêler le texte et l’image, le sens et la sensation, l’abstraction et l’émotion."
Il y a une telle liberté, une telle énergie et une telle ingéniosité dans le cinéma de Maya Deren, surnommée «la femme à la caméra» pour démentir l’expression trop répandue «d’homme à la caméra», que certains auraient de la graine à en prendre. Ne serait-ce que dans sa manipulation affûtée et nouvelle de l’espace-temps cinématographique. Avec des moyens astucieux, l’artiste fâchée avec les codes Hollywoodiens n’a cessé de construire une carrière loin des sirènes et de relever des défis du genre stimulants en signant pléthore de films expérimentaux très intrigants. De manière générale, elle accomplit des prouesses pour mêler le texte et l’image, le sens et la sensation, l’abstraction et l’émotion. Maya se veut à la fois cérébrale et physique en abordant une foule de thèmes qui a priori ne se colmatent pas entre eux (la psyché, la sexualité, la violence, les rituels et la transe). Ses films prosaïques et linéaires, elliptiques et abstraits, répondent à ces paradoxes. Ils témoignent une influence revendiquée du surréalisme de bon aloi et de la psychanalyse héritée de papa. Les centres d'intérêt de Deren sont la danse et la poésie. Domaines dans lesquels elle excellait alors qu’elle n’était qu’une licenciée en arts débutant dans le journalisme. Selon ses termes, elle voulait développer une forme d’art filmique trouvant son origine dans les potentialités de la caméra elle-même, libérée de l’influence des autres langages artistiques tels que la littérature, le théâtre et les arts plastiques.
Ses ennemis? Le surréalisme de bazar et la frontalité du documentaire. Ses films sont des rêveries, des elixirs oniriques qui parlent aux sens. L’un de ses opus les plus intéressants demeure Meshes of the afternoon, sorte de thriller métaphysique et paranoïaque nourri d’ombres et de lumières, tellement déroutant et envoûtant que chacun est libre de tirer les interprétations qu’il veut. On peut y voir Maya Deren dans le rôle d’une femme paumée dans un méandre rhapsodique. Avec son mari, elle forme un couple d'amants confrontés à la mort de leurs désirs. Dans l'expression illustrative, les références à Cocteau frappent à la porte. Comme lui, Deren se met en scène dans des fictions. La mort est représentée sous la forme d’un personnage habillée de noir dont la capuche abrite un visage en miroir. Progressivement, Deren part d’éléments ancrés dans une réalité (une fleur, une clé, un téléphone) et au fil de son cheminement narratif les dispose dans une réalité "autre" en appliquant le concept pré-Deleuzien de la répétition et de la différence.
A travers ces éléments matériels, Maya Deren explore le passage de la vie à la mort, du rêve au cauchemar, du passé au présent. Sa faculté à brouiller les repères chronologiques ont certainement inspiré David Lynch, notamment pour Mulholland Drive où des éléments épars évoquent étrangement Meshes of the Afternoon (la clé, la mort évoque la clocharde dans MD) jusque dans sa construction alambiquée. Les thèmes du dédoublement et du cercle infernal où tout semble voué à recommencer dès le début renvoient à Lost Highway. Certains ont vu une métaphore sur le féminisme avec un personnage principal féminin, fleur fanée en pleine renaissance, qui cherche à s’affranchir d’une dépendance quitte à côtoyer les ténèbres. Pourquoi pas, mais il faut surtout y voir une illustration unique de l’inconscient, au moins aussi forte que celle proposée par Buñuel et Dali dans l'immense Chien Andalou en 1928. Comme dans bon nombre de ses films suivants, Meshes of the afternoon s’attache aux éléments minéraux (vent, bois, pierre, mer) afin d’accentuer une dimension organique et sensuelle. Comme si la nature semblait évoluer - pour ne pas dire danser - en même temps que le personnage. La bande-son incantatoire de Teiji Ito, complice de Deren sur la fin de sa carrière, n’a été ajoutée qu’en 1959 – à l’origine, le film est muet. Inconsciemment, Maya passe presque pour celle qui a préfiguré le clip en offrant une parfaite adéquation entre le montage de l’image et du son. Bien avant Tony Scott et ses Prédateurs.
Après ce premier essai plus que prometteur où elle fait par ailleurs montre d’une maîtrise exemplaire des diverses composantes du récit dit expérimental, la cinéaste a essayé de donner une importance sacrée à ses passions avec un style pointilleux et dialectique où le visuel serait en cohérence avec le fond. La danse et la légèreté du corps aérien vont continuer à faire écho aux mouvements amples et fluides d'une caméra. Généralement, en ce qui la concerne, on définit ces mouvements de caméra sveltes comme des «chorégraphies». L’exemple le plus probant de cette démarche reste le bien nommé A study in choreography for camera où elle filme un danseur qui évolue au gré des décors en conservant d'un bout à l'autre une mine transcendée ou encore The very eye of night, une fantasmagorie astrologique où des danseurs de lumière sont incrustés en négatif sur un ciel étoilé. En corollaire, elle défend le mouvement expérimental en créant la Creative Film Foundation et la Film-makers association. De même, elle écrit quelques romans un chouia didactiques, loin de la légèreté de son style visuel, notamment l’imposant L'art, la forme et le film. Ce qui confirme l'aversion de Deren pour la littérature. Toquée d’anthropologie, elle écrit suite à un voyage en Haïti un livre sur les rituels vaudous (Divine Horsemen). Elle en a tiré un long métrage d’environ cinq heures qu’elle n’a jamais pu achever (elle est morte un an après son excursion dans des conditions mystérieuses). Bien que décédée il y a maintenant près de cinquante ans, son influence demeure intacte. Elle est toujours célébrée dans les cinémathèques françaises et des artistes contemporains comme John Zorn lui rendent hommage à travers leurs compositions (dans le cas de Zorn, il a crée une bande son qui relate sa carrière baptisée Filmworks X - in the mirror of Maya Deren).
Le coin du cinéphile : la petite boutique des horreurs de Romain Le Vern
